kein Konzert!

Wer erinnert sich noch an die kleinen Klangfreuden der Kindheit? Ratternde Wäscheklammern in den Fahrradspeichen. Das Gitarrensolo auf dem Eierschneider. Die Performer der Zürcher Compagnie drift haben sich das Ohr für die Sinfonie im Alltag und im Hausrat jedenfalls bewahrt – als Tontüftler aus Absurdistan, als Bastel-Melodiker mit Mac und Marmeladentopf. Von Hause sind sie ja Tänzer, die drei Langzeitkollaborateure der Gruppe, François Gendre, Massimo Bertinelli und Peter Schelling. Aber die computerkomponierte Musik ihrer Performances begann sich irgendwann in den Vordergrund zu spielen. Was im gefeierten Theater-Chaos-Konzert machine à sons kulminierte. Jetzt folgt Schwarzer Peter, im Untertitel: kein Konzert. Die drei von der Klangstelle leben mit Muh-Dose, Bohrmaschine und Kugelstaubsauger ihr erotisches Verhältnis zu Technik und Akustik derart schräg-schön aus, dass es Kritiker regelmäßig in Kategorien-Nöte stürzt. Kraftwerk-Sound, Marthaler-Irrwitz? Selber hören und sehen!

von Anton Tschechow

Nach Moskau! Nach Moskau! So klingt das bessere Leben. Der Lockruf für Theatergenerationen aus Tschechows Komödien-Tragödie Drei Schwestern. Auf in die Möchte-gern-Metropole, oder: überall ist es besser, wo wir nicht sind. Aber die Traum-Frauen sitzen im Provinznest und verfehlen das Hier und Jetzt, irgendwo zwischen Heim- weh und Herzbegehr. Lebst du schon, oder liebst du noch? Unglücklich, versteht sich. Äußerlich passiert nicht viel, innen tobt das Mögliche. In Mascha, Irina und Olga spiegelt sich ein zeitloser Zustand ohne Zukunft: Die große Illusion. Jetzt holt Regisseur Frank Heuel mit seinem fringe ensemble das Stück ins Heute. Und verdichtet das ganze Drama auf nur eine Dame. Tschechow Redux. Ein Solo, kein Monolog. Die furiose Simin Soraya spielt drei Schwestern. Und ein Dutzend weiterer Figuren. Wandert vielstimmig durch den Text, sucht Nähe und Distanz in diesem Wunsch-Konzert mit Musik-Collage. Das gesammelte Sehnen in 70 Minuten. Der Glücksfall einer intelligenten Klassiker-Übersetzung.

“… ein Solo, aber kein Monolog. Fast alle Figuren aus Tschechows Stück tauchen auf in Simin Sorayas wunderbar differenzierter Darstellung. … Jeder Akt in diesem Spiel vom ewigen Wünschen hat seinen ganz eigenen Rhythmus und eine theatrale Spannung, die die Zufälligkeit der Ereignisse in Tschechows Stück aus einem weiblichen Blickwinkel neu beleuchtet. Simin Soraya macht daraus ein vielstimmiges Konzert widersprüchlicher Visionen davon, warum wir leben und leiden. Sie lässt dabei brüchiges Pathos ebenso zu wie energische Wut und Lebenslust. Unbedingt sehenswert!”
General-Anzeiger Bonn, E. Einecke-Klövekorn, 15.01.2011

von Anton Tschechow

Nach Moskau! Nach Moskau! So klingt das bessere Leben. Der Lockruf für Theatergenerationen aus Tschechows Komödien-Tragödie Drei Schwestern. Auf in die Möchte-gern-Metropole, oder: überall ist es besser, wo wir nicht sind. Aber die Traum-Frauen sitzen im Provinznest und verfehlen das Hier und Jetzt, irgendwo zwischen Heim- weh und Herzbegehr. Lebst du schon, oder liebst du noch? Unglücklich, versteht sich. Äußerlich passiert nicht viel, innen tobt das Mögliche. In Mascha, Irina und Olga spiegelt sich ein zeitloser Zustand ohne Zukunft: Die große Illusion. Jetzt holt Regisseur Frank Heuel mit seinem fringe ensemble das Stück ins Heute. Und verdichtet das ganze Drama auf nur eine Dame. Tschechow Redux. Ein Solo, kein Monolog. Die furiose Simin Soraya spielt drei Schwestern. Und ein Dutzend weiterer Figuren. Wandert vielstimmig durch den Text, sucht Nähe und Distanz in diesem Wunsch-Konzert mit Musik-Collage. Das gesammelte Sehnen in 70 Minuten. Der Glücksfall einer intelligenten Klassiker-Übersetzung.

“… ein Solo, aber kein Monolog. Fast alle Figuren aus Tschechows Stück tauchen auf in Simin Sorayas wunderbar differenzierter Darstellung. … Jeder Akt in diesem Spiel vom ewigen Wünschen hat seinen ganz eigenen Rhythmus und eine theatrale Spannung, die die Zufälligkeit der Ereignisse in Tschechows Stück aus einem weiblichen Blickwinkel neu beleuchtet. Simin Soraya macht daraus ein vielstimmiges Konzert widersprüchlicher Visionen davon, warum wir leben und leiden. Sie lässt dabei brüchiges Pathos ebenso zu wie energische Wut und Lebenslust. Unbedingt sehenswert!”
General-Anzeiger Bonn, E. Einecke-Klövekorn, 15.01.2011

Am 1. Januar 1900 wird er auf dem Klavier des Luxusdampfers Virginian gefunden: Danny Boodmann T. D. Lemon Novecento. Ein Name wie Freejazz. Ein Neugeborener aus dem Schiffsbauch. Der Junge entwickelt ein sagenhaftes Pianotalent, reist mit 88 Tasten um die Welt und geht niemals von Bord. Sein Spiel macht ihn berühmt, das Schiff bleibt Schutzraum. Bis zum Untergang. Novecento hat der Italiener Alessandro Baricco seinen Theater-Monolog über einen Mann, die Musik und das Meer genannt. Regisseur Frank Heuel bringt die Geschichte vom Ozeanpianisten ohne Klavier auf die Bühne. Dafür mit Gespür für Tonart und Gefühlsanschlag. Jetzt erneut auf Deck des Pumpenhauses zu bestaunen. Komponist und Trompeter Bruno Leicht holt als Hommage-Virtuose den Jazz der 20er und 30er zurück. Und Harald Redmer brilliert als Erzähler dieser Jahrhundert-Fabel über Weltflucht und Wellenklang.

Jeder strebt nach Erfolg. Immer in Bewegung. Besser, größer, mehr. Die Suche: Bedeutung im Leben, Selbstbestätigung. Die Angst: in der Vergessenheit zu verschwinden, endgültig. Die Lösung: Kampf gegen die Vergeblichkeit. Mal als Held der eigenen Biographie, mal als Nullnummer. Meistens irgendwo dazwischen. Das ganze Spektrum des Widerstands durchmisst Lisbeth Gruwez mit ihrer Gruppe Voetvolk in HeroNeroZero. Eine Performance von stiller Bildwucht und elektrischer Intensität. Eine der stärksten Szenen: Die Tänzerin und ihr Bühnenpartner Rob Fordeyn singen mit David Bowie das Lied von den Helden für einen Tag, engumschlungen. Aus ihrer Umarmung wird ein Auflehnen, aus dem Auflehnen ein Kampf, aus dem Kampf ein Tanz. Gruwez, vormals herausragende Protagonisten der Arbeiten von Jan Fabre, ist eine extrem wirkungssichere Performerin und Choreografin – zuletzt mit ihrem gefeierten Birth of Pray bewiesen. Hier rückt sie den Körper ins Licht, der in der Zeit keine Spuren hinterlässt.

Eine amerikanische Vorstadtfamilie, ein Sommer in den 70ern. Die Lisbons haben fünf hübsche Töchter zwischen 13 und 17. Und alle nehmen sich das Leben, innerhalb eines Jahres. Die Selbstmord-Schwestern. Zurück bleibt Ratlosigkeit. Das Klima daheim: strengreligiös und prüde. Rock’n’Roll-Platten landen im Fegefeuer der Mutterfurie. Aber erklärt das was? Der Roman The Virgin Suicides von Jeffrey Eugenides entwirft ein Perspektiven-Puzzle. Nachbarsjungen beobachten die Geschehnisse im Hause Lisbon aus der Fernglasferne. Verliebte Spanner mit Geheimkontakt zu den Mädchen. 30 Jahre später erinnern sie sich, betreiben Recherche in der Rückschau. Sofia Coppola hat den Stoff kongenial verfilmt. Jetzt inszeniert Ruth Schultz The Virgin Suicides als Grenzgang zwischen Schauspiel und Tanz, Verkörperung und Verfremdung. Die Regisseurin und Choreographin, mit Musiker Kai Niggemann Gründerin des Labels Paradeiser productions, begegnet der Tragik sensibel bis subversiv. Und erzählt ihre ganz eigene Lisbon-Story.
»Spannend, gewagt und mitreißend« (WAZ)