Am Anfang ein Bild: siebzehn Kinder zwischen acht und vierzehn. Ein Bild der Disziplin, ein Bild von Darstellern, die in eine strenge Anordnung gebracht sind, bereit zu sprechen, zu singen, zu spielen und zu gefallen. Die Kinder konfrontieren die Zuschauer mit den Ängsten, der Fürsorge, dem Wissenswust, den Regeln und Halbwahrheiten, die Erwachsene Kindern ständig vorkauen und eintrichtern. Sie klagen nicht an, sondern stellen Tatsachen fest und legen dabei frech, anmutig, komisch, rührend und liebevoll die Widersprüche des menschlichen Sozialcharakters offen. Tim Etchells, Leiter der britischen Theatergruppe Forced Entertainment, hat mit den Kindern den Text und die Inszenierung erarbeitet. Ein Stück für Erwachsene, gespielt von Kindern.
In flämischer Sprache mit englischen und deutschen Untertiteln.

The performance by Etchells’s company of young Belgian actors is simply breathtaking. […] perhaps the finest show about parenthood and childhood ever produced in Europe.
The Scotsman

Junge Akademiker zwischen 25 und 30 Jahren, gut ausgebildet und scheinbar im Übergangsstadium vom Studium zum Beruf stecken geblieben, bilden die so genannte Generation P. Aber wofür steht eigentlich das viel bemühte Schlagwort? Für gut ausgebildete junge Menschen, die ins echte (Arbeits-)Leben gar nicht eintreten können, weil sie dauerhaft als unterbezahlte Praktikanten ausgebeutet werden? Für das ständig von Armut bedrohte Prekariat? Oder für eine Generation von angepassten Pragmatikern, die weder Bildungsideale verfolgt noch revolutionären Utopien nachhängt? All diesen Fragen geht Generation P auf der Grundlage von Interviews mit Studenten nach und zeigt die Generation als eine Summe von sehr individuellen Lebensgeschichten. Ein semidokumentarisches Theaterprojekt zur Lage einer Generation.

Der Abend zeichnet mit zarter Ironie und ohne zu denunzieren das Porträt der Generation Praktikum, das absurder, erschreckender und komischer kaum sein könnte.
General-Anzeiger Bonn

Das Trio Fado präsentiert Interpretationen von Liedern berühmter Komponisten und 
Sänger. Klänge voller Sehnsucht und Melancholie entführen das Publikum in die malerische Altstadt Lissabons, wo schwermütige Stimmen den Weg durch die engen farbenfrohe Gassen zeigen. Anfang des 19. Jahrhunderts war der Fado, diese mit dem argentinischen Tango entfernt verwandte traurig-melancholische bis heitere Musik, erstmals im zwielichtigen Milieu der portugiesischen Hauptstadt zu hören, bis Studenten das Genre aufgriffen und es salonfähig machten. 

Maria Carvalho taucht mit ihrem sehnsuchtvollen Gesang in die tiefsinnigen Lieder des Fado. Dabei behält ihre weiche Stimme stets einen Hauch von Leichtigkeit.

António de Brito (Gitarre und Gesang) singt mit starkem und rauchigem Temperament die männliche Version des Fado. 

Daniel Pircher (Portugiesische Gitarre), ein Österreicher der seine Kindheit und Jugend in Portugal verbracht hat, versteht es mit der 12-saitigen Guitarra Portuguesa den Gesang von Maria Carvalho und António de Brito so zu begleiten, dass der für den Fado berühmte und unverzichtbare Klang dieses Instrumentes sich an die Stimmen der beiden Sänger schmiegt.

Benjamin Walbrodt (Cello), geboren in Berlin, bekam auf eigenen Wunsch bereits in seinem 5. Lebensjahr sein eigenes Cello. Mit dem Orchesterdiplom in der Tasche unternahm er Konzerttourneen nach Israel, Schweiz, Italien, Japan…

„Der Fado stimmt mich weich und beruhigt meine Seele“ sagt Maria, „Liebe, Arbeit und das Leben bekommen einen ganz anderen Glanz, wenn sie in Fado-Liedern besungen werden“.

 www.triofado.de

Fünf Personen treffen auf einer stillgelegten Müllkippe zusammen. Ihnen wurde hier Grund und Boden als Besitz versprochen. Ein Einkaufszentrum soll hier entstehen, Wohnanlagen, Sportplätze und blühende Landschaften. Auch ausländische Investoren haben sich angekündigt. Während die fünf beginnen, sich provisorisch einzurichten, erzählen sie von ihren täglichen Überlebensstrategien, vom nicht enden wollenden Teufelskreis der prekären Existenz. Sie sind entschlossen, auf den fahrenden Zug aufzuspringen, um irgendwann das Stück vom Kuchen abzubekommen, das ihnen endlich zustehen könnte: »Wer nicht mitmacht, wer zu spät kommt, der wird hier über kurz oder lang verschwinden. Alles wird sich hier verändern.« Die Gruppe unitedOFFproductions präsentiert mit dieser Produktion ein bizarres Science-Fiction-Spiel, das unsere scheinbar perspektivlose Gegenwart der neoliberalen Sachzwänge konsequent zu Ende denkt und eine zeitgenössische Schöpfungsgeschichte entwirft. Die Aufführungen werden von dem Dokumentarfilm Der Gesang des Tzentzontle sowie einer Fotodokumentation über die der Produktion vorangegangene Recherchereise in Mexico-City begleitet.

Mein erster Sony

Mein erster Sony basiert auf dem gleichnamigen Roman des israelischen Schriftstellers Benny Barbasch: Tel Aviv Anfang der 90er Jahre. Der zehnjährige Jotam bekommt von seinem Vater einen Kassettenrekorder geschenkt, um seine vielen Ideen festzuhalten. Stattdessen aber beginnt Jotam, alles um sich herum aufzunehmen: Den nächtlichen Streit der Eltern, den ersten Sex der Cousine, den Clash der Generationen auf Familienfeiern oder die Stille am Toten Meer. Ein riesiges Kassettenarchiv entsteht, mit dem der Junge das Leben festhält: im Kleinen das der Familie und im Großen das in Israel. Inzwischen fast 30, beginnt Jotam anhand der alten Aufnahmen seine Geschichte zu erzählen. In seiner Bühnenadaption verbindet der Filmemacher, Autor und Theaterregisseur Bittoun unterschiedliche Medien von Theater über Hörspiel bis Film zu einer temporeichen Inszenierung.

Wieder einmal erweist sich Bittoun […] als Multimediakünstler, der gerade durch diesen Zugriff das Menschliche fast ohne Sentimentalität hervorhebt.
Frankfurter Allgemeine Zeitung

 
Neues Selbstbewusstsein in jüdischer Literatur und Kunst

Im Anschluss an die Aufführung von “Mein erster Sony” kommen der Regisseur Stèphane Bittoun und die Autorin Lena Gorelik ins Gespräch.

Mein erster Sony

Mein erster Sony basiert auf dem gleichnamigen Roman des israelischen Schriftstellers Benny Barbasch: Tel Aviv Anfang der 90er Jahre. Der zehnjährige Jotam bekommt von seinem Vater einen Kassettenrekorder geschenkt, um seine vielen Ideen festzuhalten. Stattdessen aber beginnt Jotam, alles um sich herum aufzunehmen: Den nächtlichen Streit der Eltern, den ersten Sex der Cousine, den Clash der Generationen auf Familienfeiern oder die Stille am Toten Meer. Ein riesiges Kassettenarchiv entsteht, mit dem der Junge das Leben festhält: im Kleinen das der Familie und im Großen das in Israel. Inzwischen fast 30, beginnt Jotam anhand der alten Aufnahmen seine Geschichte zu erzählen. In seiner Bühnenadaption verbindet der Filmemacher, Autor und Theaterregisseur Bittoun unterschiedliche Medien von Theater über Hörspiel bis Film zu einer temporeichen Inszenierung.

Wieder einmal erweist sich Bittoun […] als Multimediakünstler, der gerade durch diesen Zugriff das Menschliche fast ohne Sentimentalität hervorhebt.
Frankfurter Allgemeine Zeitung

 
Neues Selbstbewusstsein in jüdischer Literatur und Kunst

Im Anschluss an die Aufführung von “Mein erster Sony” kommen der Regisseur Stèphane Bittoun und die Autorin Lena Gorelik ins Gespräch.

Eine Lesung von Lena Gorelik

Anja, eine russische Jüdin, die seit ihrer Kindheit in Deutschland lebt, fährt mit ihrem Freund Julian nach Israel, um ihm bei dessen Suche nach seinen Wurzeln zu helfen. Konfrontiert wird sie dabei nicht nur mit ihrer liebenswert-nervigen Familie, sondern auch mit der Frage, was Jüdischsein in Deutschland heute bedeutet. Lena Gorelik emigrierte 1992 mit ihrer russisch-jüdischen Familie nach Deutschland. Für ihren Debütroman erhielt sie 2005 den Bayerischen Kunstförderpreis und für Hochzeit in Jerusalem 2007 eine Nominierung für den Deutschen Buchpreis.

»Ein herrlich unterhaltsamer Roman, aber doch mit ernstem Hintergrund.«
Ulrich Wickert, Wickerts Bücher | NDR Kultur

Schwarz/Weiß – Farben, die laut Wissenschaft eigentlich gar keine sind. Schwarz/Weiß – ein dunkles Gefühl, Unglück, Magie, Unschuld und Reinheit? Schwarz/Weiß –  umrissartige Bilder sortieren und kontrastieren nach Schema F auch Menschen. Und was liegt dahinter? Bin ich black, wenn meine Mutter aus Suriname ist, meine Haut hell und die Haare rötlich? Habe ich den Rhythmus im Blut? Wer bitte hat den Soul? Elf junge Menschen (zwischen 14-25 Jahren) mit doppelt soviel  Herkunftskulturen aus vier Kontinenten im Rücken haben sich entschlossen, zu remixen und das schwarz-weiße Schubladendenken zu unterlaufen. Endlich wird neu gemischt und es werden freche, franke und freie Querverbindungen geschaffen. Die Inszenierung (Regie: Barbara Kemmler, Dramaturgie: Kabasia Chuwa) hat so vielfältige „Zutaten“ wie das multikulturelle Ensemble: eine Internet-Blinddate-Lovestory, philosophische Gespräche über Musik, Zugehörigkeit, Fremdsein und rappende Gartenzwerge, mit Klängen von Jazz bis Rap, mit Tanz von Hip Hop bis Postmodern. 
„s/w remix“ legt die Ohren ganz nah an den Puls der Gegenwart; spürt nach, was Schwarzsein und Deutschsein heute sein können. Im selbstbewussten Spiel mit Perspektiven und Blickverhältnissen stößt man auch auf schmerzhafte historische Splitter und die krasse Erfahrung, das Deutsch UND Schwarz in manchen Köpfen immer noch nicht zusammengedacht werden können..
„s/w remix“ ist ein flirrend-leichtes und ernsthaftes Theaterstück mit Live-Musik, das ganz nebenbei auch die Klischees zum Tanzen bringt.

Schwarz/Weiß – Farben, die laut Wissenschaft eigentlich gar keine sind. Schwarz/Weiß – ein dunkles Gefühl, Unglück, Magie, Unschuld und Reinheit? Schwarz/Weiß –  umrissartige Bilder sortieren und kontrastieren nach Schema F auch Menschen. Und was liegt dahinter? Bin ich black, wenn meine Mutter aus Suriname ist, meine Haut hell und die Haare rötlich? Habe ich den Rhythmus im Blut? Wer bitte hat den Soul? Elf junge Menschen (zwischen 14-25 Jahren) mit doppelt soviel  Herkunftskulturen aus vier Kontinenten im Rücken haben sich entschlossen, zu remixen und das schwarz-weiße Schubladendenken zu unterlaufen. Endlich wird neu gemischt und es werden freche, franke und freie Querverbindungen geschaffen. Die Inszenierung (Regie: Barbara Kemmler, Dramaturgie: Kabasia Chuwa) hat so vielfältige „Zutaten“ wie das multikulturelle Ensemble: eine Internet-Blinddate-Lovestory, philosophische Gespräche über Musik, Zugehörigkeit, Fremdsein und rappende Gartenzwerge, mit Klängen von Jazz bis Rap, mit Tanz von Hip Hop bis Postmodern. 
„s/w remix“ legt die Ohren ganz nah an den Puls der Gegenwart; spürt nach, was Schwarzsein und Deutschsein heute sein können. Im selbstbewussten Spiel mit Perspektiven und Blickverhältnissen stößt man auch auf schmerzhafte historische Splitter und die krasse Erfahrung, das Deutsch UND Schwarz in manchen Köpfen immer noch nicht zusammengedacht werden können..
„s/w remix“ ist ein flirrend-leichtes und ernsthaftes Theaterstück mit Live-Musik, das ganz nebenbei auch die Klischees zum Tanzen bringt.